Comment poser sa voix pour raconter une histoire ?

Comprendre avant de lire

La première erreur consiste souvent à vouloir interpréter trop vite.

Avant de chercher une émotion, il faut d’abord comprendre le texte. Qui parle ? À qui ? Dans quel état d’esprit ? Que vient-il de se passer ?

Que va-t-il se passer ensuite ? Une phrase apparemment banale peut prendre une couleur totalement différente selon le contexte.

Un simple :

« Je savais que tu viendrais. » peut être prononcé avec soulagement, colère, ironie, peur, tendresse ou résignation. La narration commence donc avant même d’ouvrir la bouche. Elle commence par la compréhension.

Ne pas confondre narration et récitation

Lorsque l’on débute, on a souvent tendance à vouloir « bien lire ». On articule parfaitement. On respecte chaque virgule. On donne une belle intonation. Et pourtant, quelque chose sonne faux. Pourquoi ?

Parce que l’on entend parfois davantage la personne qui lit que l’histoire qu’elle raconte. Une bonne narration doit rester naturelle.

L’objectif n’est pas de démontrer que l’on sait lire un texte.L’objectif est de faire oublier qu’il y a un texte devant soi.

Le lecteur doit progressivement devenir conteur.

Trouver sa voix naturelle

Poser sa voix ne signifie pas forcément la rendre plus grave, plus douce ou plus théâtrale.

Au contraire.

Pour une narration longue, la voix doit avant tout être confortable et durable. Un livre audio peut représenter plusieurs heures d’enregistrement. Si vous forcez votre timbre pendant vingt minutes, votre gorge vous rappellera rapidement à l’ordre.

La meilleure base reste généralement votre voix naturelle, légèrement placée, soutenue et maîtrisée. 

Imaginez une salle de conférence face à vous. Vous avez un micro, mais vous ne vous adressez qu’à une seule personne : votre enfant, un parent, un ami.

Parlez-lui.

Vous verrez, votre voix se placera presque d’elle-même. Elle deviendra plus naturelle, plus intime, plus sincère.

Et très souvent, ce sera exactement la bonne.

Il ne s’agit donc pas de fabriquer une nouvelle voix.

Il s’agit d’apprendre à mieux utiliser celle que vous possédez déjà.

La respiration : votre véritable moteur

Une voix posée commence par une respiration maîtrisée.

Lorsque la respiration est trop haute ou trop courte, la narration devient rapidement hachée.

Le narrateur accélère. Il manque d’air en fin de phrase. Il reprend sa respiration aux mauvais endroits.

Et l’auditeur ressent immédiatement cette tension. Une respiration plus basse, plus calme et mieux anticipée permet au contraire de conserver une voix stable.

Avant une longue phrase, prenez le temps d’inspirer. Repérez les endroits où une respiration peut naturellement se glisser.

Et surtout, n’essayez pas de battre un record d’apnée. Respirer fait partie de la narration.

Trouver le bon rythme

Le rythme est probablement l’un des éléments les plus importants d’un livre audio. Trop rapide, et l’auditeur n’a pas le temps d’imaginer la scène.

Trop lent, et la narration devient lourde. Cependant... il n’existe pas un rythme unique.

Une scène d’action ne se raconte pas comme une scène de deuil. Une conversation légère n’aura pas le même tempo qu’une révélation dramatique. Le rythme doit suivre l’histoire.

Et parfois, le plus puissant n’est pas ce que l’on dit. C’est ce que l’on laisse respirer.

Apprendre à utiliser les silences

Un silence n’est pas un vide. C’est un outil.

Une courte pause peut permettre à une phrase de prendre tout son poids. Après une révélation. Après une mort. Avant une réponse importante. Au milieu d’un moment de tension.

Le silence laisse à l’auditeur le temps de ressentir ce qu’il vient d’entendre.

À l’inverse, supprimer toutes les pauses donne souvent une narration mécanique. L’histoire n’a plus le temps de vivre. Donner de l’émotion sans surjouer, c’est probablement l’équilibre le plus difficile.

Un narrateur doit transmettre l’émotion du texte sans transformer chaque phrase en scène de théâtre. Si le personnage est triste, il n’est pas nécessaire de sangloter à chaque mot. Si le personnage est en colère, il n’est pas nécessaire de crier.

Très souvent, une émotion contenue est beaucoup plus forte. Une voix légèrement plus basse. Un rythme qui ralentit. Une respiration plus courte. Une hésitation. Une phrase qui se termine presque dans un souffle. L’émotion passe aussi par les détails.

Différencier les personnages sans les caricaturer

Dans une narration comportant plusieurs personnages, il est utile que l’auditeur puisse identifier rapidement qui parle.

Mais cela ne signifie pas qu’il faille créer dix voix complètement différentes.

On peut jouer sur :

• le rythme ;
• la hauteur ;
• l’énergie ;
• la façon d’articuler ;
• la posture ;
• l’intention.

Un personnage très sûr de lui pourra avoir une diction plus nette et plus directe.

Un personnage timide pourra parler plus doucement ou hésiter davantage.

Un personnage âgé n’a pas obligatoirement besoin d’une voix tremblante ou caricaturale.

Personnellement, j’ajoute simplement un léger éraillement au fond de ma voix. Cela ne la fatigue pas et, étrangement, ça me rappelle les dessins animés que je regardais quand j’étais petite.

L’objectif reste toujours le même : aider l’auditeur à suivre l’histoire sans attirer son attention sur la performance du narrateur.

La posture change réellement la voix

La voix est produite par le corps entier.

Une personne voûtée ne respirera pas de la même manière qu’une personne dont le dos est droit et détendu.

Pour enregistrer, il est donc important de trouver une position confortable. Debout ou assis, peu importe, à condition de pouvoir respirer librement. Les épaules doivent rester détendues. La nuque ne doit pas être crispée. Et le texte doit être placé suffisamment haut pour éviter de lire constamment la tête baissée. Un détail très simple qui change énormément la qualité d’une session.

Articuler sans devenir artificiel

L’articulation est évidemment essentielle en livre audio. Mais attention à ne pas tomber dans l’excès inverse. Une articulation trop appuyée peut donner l’impression d’un exercice de diction.

Le but n’est pas de prononcer chaque syllabe comme dans un cours de théâtre. Le but est d’être compris sans que l’effort soit perceptible.

Certains passages demanderont davantage de précision : noms propres, termes techniques, mots étrangers, phrases longues. Pour le reste, la parole doit conserver sa fluidité naturelle.

Préparer sa voix avant d’enregistrer

Tout comme un musicien accorde son instrument, un narrateur doit préparer sa voix. Quelques minutes peuvent suffire.

Détendre la mâchoire. Faire vibrer doucement les lèvres. Prononcer quelques virelangues. Faire quelques sons graves puis plus aigus sans forcer. Lire quelques paragraphes avant de lancer l’enregistrement définitif. Et surtout : boire régulièrement de l’eau.

La voix aime rarement être utilisée brutalement après plusieurs heures de silence.

PS : Pour ma part, j’ai découvert ce « voice warm-up » environ un an après le début de ma carrière.

La coach est très drôle et l’échauffement est, à l’origine, conçu pour aider les chanteurs à tenir pendant des heures de concert. Et même si nous, narrateurs, ne poussons pas vraiment la chansonnette, croyez-moi quand je vous dis que plusieurs heures derrière un micro, c’est tout de même du sport !

Depuis, cet échauffement fait partie des petites choses que j’aime utiliser pour préparer ma voix avant une longue session d’enregistrement.

Je vous laisse son lien juste ici… et régalez-vous ! ^^

https://www.youtube.com/watch?v=1XHXezdnL0A&list=PLSRU4r90XQs5x8N9bWDuTxM4tYItSUMFD

Ne pas vouloir tout enregistrer d’un seul coup

La narration fatigue. Pas seulement physiquement. Elle demande aussi énormément de concentration. Après un certain temps, les erreurs augmentent. Le rythme devient moins naturel. L’interprétation perd en précision. Et parfois, le narrateur ne s’en rend même plus compte.

Faire des pauses régulières permet donc de conserver une qualité constante. Un livre audio est un travail d’endurance. Pas un sprint.

Le micro entend tout

Un microphone de studio capte beaucoup plus de détails que notre oreille dans une conversation normale. Les claquements de langue.

Les respirations. Les mouvements de vêtements. Les pages que l’on tourne. La chaise qui grince. Le ventre qui décide soudainement de participer à l’enregistrement - cela m'arrive tout le temps XD.

Il faut donc apprendre à rester relativement immobile tout en conservant une interprétation vivante. Trouver une distance régulière par rapport au micro est également essentiel pour conserver un niveau sonore homogène.

Et surtout : raconter

On peut posséder un excellent microphone. Une cabine parfaitement traitée. Une diction impeccable. Une technique irréprochable.

Mais si l’on oublie l’essentiel, l’enregistrement restera froid. Une histoire doit être racontée. Le narrateur est le lien entre l’auteur et l’auditeur. Il récupère les mots écrits sur une page et leur donne un rythme, une respiration et une émotion. Et quand tout fonctionne, l’auditeur finit presque par oublier la voix. Il ne voit plus le narrateur. Il voit les personnages. Les lieux. Les gestes. Les regards.

Et à ce moment-là, la voix a parfaitement rempli son rôle.

La narration est un métier… mais aussi un apprentissage

Personne ne trouve immédiatement sa manière de raconter. Celui qui vous dira le contraire est un charlatant. 

La voix évolue avec l’expérience. On apprend à mieux respirer. À ralentir. À faire confiance aux silences. À moins surjouer. À mieux comprendre les personnages.

Et surtout, on développe peu à peu quelque chose qui ne s’apprend pas entièrement dans les livres :

sa propre façon de raconter une histoire.

Parce qu’au bout du compte, poser sa voix ne signifie pas chercher la voix parfaite.

Cela signifie trouver celle qui permettra au texte de prendre vie.